La tonada diabólica

Giuseppe Tartini (1692-1770)
Sonata in G minor, 'Il trillo del diavolo'
the devil's trill is named that way because Tartini said it was inspired by a dream he had, where the devil was playing the violin for him. The music he played was the most beautiful piece Tartini had ever heard, and when he woke up after that dream he tried to write it down. It's considered to be the best piece by Tartini, but he claims it's nowhere near as beautiful as the music the devil was playing.

Itzhak Perlman is an Israeli-American violin virtuoso, conductor, and master-instructor. He is widely considered to be one of the preeminent violin virtuosi of the 20th century.

Sobreviviré

es.wikipedia.org/wiki/Gloria_Gaynor

I Will Survive
At first I was afraid I was petrified.
Kept thinking I could never live without you by my side.
But then I spent so many nights
Thinking how you did me wrong.
And I grew strong!
And I learned how to get along!
So now you're back from out of space.
I just walked in to find you here with that sad look upon your face.

I should have changed that stupid lock!
I should have made you leave your key!
If I had known for just one second you'd be back to bother me.

Go on now, go, walk out that door!
Just turn around now‚
cause you're not welcome any more.
Weren't you the one who tried to hurt (crush) me with goodbye?

Did I crumble
Did I lay down and die
Oh no, not I! I will survive!
Oh and as long as I know how to love I know I stay alive.
I've got all my life to live, I've got all my love to give.
And I'll survive!
I will survive! Hey, hey.

It took all the strength I had not to fall apart.
Kept tryin' hard to mend the pieces of my broken heart!
And I spent oh so many nights
just feeling sorry for myself. I used to cry!
But now I hold my head up high.
And you see me somebody new!
I'm not that chained-up little person still in love with you.

And so you feel like droppin' in,
and just expect me to be free,
now I'm saving all my loving for someone who is loving me!

Go on now...
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Tu no sabes amar

Tu ne sais pas aimer
youtube.com/watch?v=nM8FXNBHWdc
Magnifique chanson réaliste qui fait une apparition dans le film de Cyril Collard
"Les nuits fauves"
et résume assez tristement le film.

Siento en mi (dentro de mi)

"Je sens en moi" (1935)
youtube.com/watch?v=9cWaMOlqhbk
 the french version of Pola Negri's "Mazurka"
youtube.com/watch?v=0C2sfz0S38w

Mazurka (1935) - IMDb 

The film Mazurka from Germany, 1935, is a wonderful combination of a -maybe too- sentimental story with a very surprising plot.

La Habanera

dailymotion.com/_callas-la-habanera

 
Callas-La Habanera por Augenblicke

(An Aria From "Carmen") By Thomas Keyes July 22, 2005

One of the most delightful songs that I know is "La Habanera", an aria from the opera "Carmen", written in 1875, by the distinguished French composer Georges Bizet (1838-1875). The story of the opera was based on the novel "Carmen", by Prosper Merimie. Carmen was a tempestuous young gypsy girl of 19th century Spain. When I read the novel, Carmen, the heroine, reminded me of a teenage Puerto Rican girl in New York, with cigarette dangling from her mouth, a switchblade in her garter, and wearing too much lipstick. So unlike others who have come to the story, I was not overjoyed. But I do love the song.
Travelling around as I do, I generally am remote from any opportunity to attend opera or ballet, but at one time I did. Anyway, about once a year till 1998 this melody would come to mind, and then I'd forget it completely, remaining unable to recall it. Finally, I made up words, so I wouldn't lose it again, but I still didn't know the name. I went to the library, and looked at opera scores, and got nowhere. Finally, I overheard someone mention it by name, and got the music and played it, but couldn't still fit the words to the music. Now finally I have a score with the words beneath the notes, from a Library of Congress database. So after six or seven years of looking, I have found what I was looking for:
http://memory.loc.gov/cgi-bin/ampage?collId=mussm&fileName=sm/sm1878/11700/11770/mussm11770.db&recNum=0&itemLink=D?mussm:4:./temp/~ammem_KrtC::@@@mdb=aasm,cwband,afcreed,scsm,molden,mussm,dukesm,amss&linkText=0
Here's an audible version. Just click on the first line under "Classical Larger Files":
http://www.allbuilders.com/designers/MIDI.htm
Here are the original French lyrics, followed by my own translation. When words or lines are repeated, I like to write them out completely. It does make it easier to fit words to melodies. So instead of "L'amour!...", for example, I have "L'amour! L'amour! L'amour! L'amour!", and I have actually repeated the refrain, in the appropriate place.

LA HABANERA (original French Lyrics)
L'amour est un oiseau rebelle
Que nul ne peut apprivoiser,
Et c'est bien in vain qu'on l'appelle
S'il lui convient de refuser.

Rien n y fait, menace ou prihre.
L'un parle bien, l'autre se tait.
Et c'est l'autre que je prifhre.
Il n'a rien dit mais il me plait.

L'amour! L'amour! L'amour! L'amour!

L'amour est enfant de Bohjme,
Il n'a jamais jamais connu de loi.
Si tou ne m'aimes pas, je t'aime.
Si je t'aime, prends garde ` toi!

Si tou ne m'aimes pas, si tou ne m'aimes pas, je t'aime,
Mais si je t'aime, si je t'aime, prends garde ` toi!

L'oiseau que tu croyais surprendere
Battit d'aile et s'envola.
L'amour est loin, tu peux l'attendre.
Tu ne l'attends pas, il est l`.

Tout atour de toi, vite vite,
Il vient, s'en va, puis il revient.
Tu crois le tenir, il t'evite.
Tu crois l'eviter, il te tient.

L'amour! L'amour! L'amour! L'amour!

L'amour est enfant de Bohjme,
Il n'a jamais jamais connu de loi.
Si tou ne m'aimes pas, je t'aime.
Si je t'aime, prends garde ` toi!

Si tou ne m'aimes pas, si tou ne m'aimes pas, je t'aime,
Mais si je t'aime, si je t'aime, prends garde ` toi!
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LA HABANERA (Literal English Translation)
Love is a rebellious bird
That nothing can tame,
And it's quite in vain to call it,
If it's convenient for it to refuse.

Threat and prayer do nothing.
One speaks well, the other silences,
And it's the other that I prefer,
It's said nothing, but I like it.

Love! Love! Love! Love!

Love is a child of the Bohemian way.
It has never, never known the law.
If you don't love me, I love you.
If I love you, watch out!

If you don't love me, if you don't love me, I love you,
But if I love you, if I love you, watch out!

The bird you thought you'd surprise
Beat its wings and flew away.
Love is far, you cannot wait for it.
You're not waiting, it is there!

All around you, apace, apace,
It comes and goes and then returns.
You think to hold it, it eludes you.
You think to elude it, it holds you.

Love! Love! Love! Love!

Love is a child of the Bohemian way.
It has never, never known the law.
If you don't love me, I love you.
If I love you, watch out!

If you don't love me, if you don't love me, I love you,
But if I love you, if I love you, watch out!

El viento me ha contado una cancion

youtube.com/watch?v=Km2N-0cfchY
Damia: "Le vent m'a dit une chanson" (1939), french versions of
Zarah Leander: "Der Wind hat mir ein Lied erzählt"
youtube.com/watch?v=_h-YqhDBNrk (sueco)
youtube.com/watch?v=R7ulbiYWSBE (aleman)
Canta el aria La Habanera de la opera Carmen de Bizet
http://www.filmportal.de/df/dc/Uebersicht
La Habanera ist ein deutscher Spielfilm von Detlef Sierck aus dem Jahr 1937.
Erzählt wird die Geschichte einer jungen Schwedin, die sich in der Karibik in den falschen Mann verliebt und erst Jahre später ihren Fehler erkennt. Die Schauspielerin Zarah Leander konnte mit diesem Melodram an den Erfolg ihres ersten UFA-Films Zu neuen Ufern anknüpfen. Namensgebend für den Film war das Lied La Habanera (Der Wind hat mir ein Lied erzählt). 
Inhaltsverzeichnis

• 1 Handlung
• 2 Hintergrund
• 3 Literatur
• 4 Weblinks

'Tout le Jour, Toute la Nuit'

youtube.com/watch?v=VB-lq5u21jY
Marie-Louise Damien (December 5, 1889 – January 31, 1978) was a French singer and actress better known by the stage name Damia.
She is ranked Number Three in the chanson réaliste after Edith Piaf and Barbara.

"Szomorú Vasárnap" (HU)

[Triste Domingo]

[Sad Sunday]

[Trauriger Sonntag]

luego cambiado a

[gloomy sunsday]

[Sombre Dimanche]

[Sombrio Domingo]

Rezső Seress the autor (piano and violin) 

THE HUNGARIAN SUICIDE SONG - THE ORIGINAL

Triste domingo (mi traduccion)

Es otono y las hojas estan cayendo
Todo el amor ha muerto en el mundo
El viento esta barriendo lagrimas 

llenas de dolorosas penas
Mi corazon nunca mas tendra esperanza 

por una nueva primavera
Mis lagrimas y mis penas son todas en vano
La gente no tiene corazon, es ambiciosa, maligna

El Amor ha muerto!

El mundo ha llegado a su fin,

la esperanza a cesado de tener significado
Ciudades estan siendo barridas, 

esquirlas estan haciendo musica
Los meandros estan tintos de sangre humana
Hay muertos en las calles por todo lado
Dire otra plegaria en silencio
La gente es pecadora, Dios mio, 

ellos cometen errores...

El mundo se ha acabado!

Version de Teddy Lazslo (piano instrumental)
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Extracto de la película Germano-Húngara
"Gloomy Sunday - Ein Lied von Liebe und Tod" (1999)
["Domingo triste - Una cancion de amor y muerte"]


Version original en hungaro
(Aqui no mata el jardinero, sino se mata el pianista!)
Version recortada doblada en aleman con subtitulos en espanol

http://www.youtube.com/watch?v=YuCFgOz1aX4&feature=related
de.wikipedia.org/wiki/Gloomy_Sunday_Lied Gloomy Sunday ist der englische Titel des 1933 von dem ungarischen Pianisten Rezső Seress komponierten Liedes Szomorú Vasárnap (Ungarisch für „Trauriger Sonntag“). Das Lied, das auch als „Lied der Selbstmörder“ bekannt war, wurde in der jüngeren Vergangenheit wiederentdeckt und besonders durch den Film Ein Lied von Liebe und Tod weithin bekannt. In deutschsprachigen Ländern kennt man es auch unter dem Titel Das Lied vom traurigen Sonntag.
Seress schrieb das Lied in tiefster Betrübtheit im Oktober 1932.  
Anlass war, dass seine Verlobte ihn verlassen hatte. 
Kein Glück hatte er bei diversen Verlagen, die sich weigerten, das Lied zu vertreiben, weil es zu melancholisch sei.
Trotzdem erlangte Gloomy Sunday eine gewisse Berühmtheit – wohl auch deswegen, weil es schnell in den Verruf gekommen war, Menschen zum Suizid zu bewegen.
La version de Diamanda Gallas
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Sombre Dimanche par Damia
Marie-Louise Damien (1933)
Probablement l'une des plus belles chansons de l'entre-deux-guerres. Elle a effectivement causé une "épidémie" de suicide à budapest, à sa création. Mais il faut se remettre dans le contexte de la Hongrie de l'époque : défaite en 1918, amputation des territoires de l'Est au profit de la Roumanie, démembrement de l'empire austro-hongrois, insurection de Bela Kun, répression du "régent" Horty, échec de la restauration de l'empereur Charles Ier : la vie à Budapest n'était pas très drôle...
Sombre Dimanche par Michèlle Gallino
Extrait du spectacle de Michèle Gallino "Sur les traces de Marise D.." enregistré en 2005 à l'Agora de Saint Ismier (38)
Dans "Sombre dimanche", Damia est une femme enigmatique, trop belle dans son malheur, qui sait qu'elle ne survivra pas à ce grand Amour qui vient juste de se perdre dans les brumes de l'existence des autres....
Cette chanson a été interdite à Budapest en raison de l'impact tragique du texte sur des gens fragiles, des suicides avaient été enregistrés. Paradoxalement, à l'époque, cette chanson était la préférée des japonais.
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La cancion del suicida
extra larga para catolicos suicidas,
El original hungaro tiene solo dos estrofas?
Primera version en espanol Agustin Magaldi (1936)
"la voz sentimental de Bs. As."
Cuando existía el verdadero amor y los hombres y las mujeres guardaban luto a su amado muerto, cancion sentimental en la voz inconfundible de Agustin Magaldi
El guardar luto por la muerte de un ser querido fue en el pasado solamente una tradicion que con el tiempo se fue perdiendo; el luto que se guarda en el corazon no se disfraza de negro; los tiempos cambian, pero no el dolor. sinfonia07
La maldita version en tango cancion Mercedes Simone (1937)
Otra version en espanol (escuchar en ese blog)

Triste Domingo.

"Triste domingo, con cien flores blancas"
Y ornado el altar de mi loca ilusión
Donde mi alma se ha ido a postrar
Mientras mi boca llamándote está
Muere en mi sueños ocasos de hastío
Cansados de espera y de soledad

¡Triste domingo!

Tú no comprendes la angustia terrible
De estar esperando, sin verte, llegar
¡Vuelen tus pasos que debo marchar!
No ves que muero con mi loco afán
Quiero que seas la blanca y piadosa
Mortaja que cubra mi hora final

¡Triste destino!

Querido
Junto a mi ataúd que circundan muchas flores
Aguarda mi confesión un sacerdote
Y a él le digo:
Lo quiero, lo espero.

No temas nada si encuentras mis ojos
Sin vida y abiertos y esperándote
Tus manos son quien los deben cerrar
Y acaso entonces yo habré muerto en paz
Siento un doblar de campanas, que
Lúgubremente sus voces me ordena marchar

¡Triste domingo!

¡Vuela mi vida tu paso querido
Que llega la hora que debo partir!
Quiero tenerte en mi viaje final
Y algo me dice que no llegarás
Triste domingo visítame amado
Que ahora en mi tumba yo te he de esperar

¡He de esperar!

Otra version?
SI NO EXISTIERAS…
*
¡Déjame llegar!
a ese rincón tibio de tu abrazo,
a esa ternura blanda,
que existe en tu regazo,
donde habita la paz del silencio,
donde no se conocen
ni las tristezas
ni los fracasos
ni los días sin sol
ni las noches sin luna,
y hasta la bruma
al amor lo perfuma.
¡Déjame llegar!
a ese ansiado lugar,
donde todo es armonía
donde nunca está perdida
ni la fe ni la alegría…
es allí donde las almas
permanecen eternamente unidas,
y en una misma sintonía,
escuchando esa nupcial sinfonía
que viste los sueños de gala
y hasta les pone alas
para que logren llegar
hasta donde tu “YO” asoma,
así aromas mi espíritu y mi persona
por que es allí que te conviertes
en un corazón sensible y fuerte
¡y esa es mi suerte!
¡Déjame llegar!
Si no llego, solo me verás llorar,
pues aun tengo muchas cosas para dar
Y esas emociones, y esas sensaciones
No las debo ni las quiero postergar,
Esa es mi forma de amar…
¡quítame esas piedras del camino!
Que me duelen al pisar.
¿no te das cuenta
que la vida no es más que un sueño?
un cielo a veces nublado,
y otras veces estrellado,
un mar revuelto y alborotado,
que ha mojado las alas de ese pájaro alado,
que por estar enamorado se ha perdido
se ha extraviado…
y su vuelo tristemente demorado.
¡Déjame decirte!
¡no quiero mentirte!
Que ahora eres tú
Quien me debe esperar…
Por que tengo que rehacer dentro de mí
A ese añorado y olvidado amanecer,
que hace mucho lo dejé de ver,
y entonces si, podré sentir la dicha
de ser tuya y ser mujer,
esa MUJER completa que quiero ser,
por que no existiría
si tú…si tú no existieras…
============= 
Maldicion, ya estoy deprimido....;-)
Buscare donde colgarme...
o servira un coctel de afrodisiacos?

Recorded versionsThere are two English-language versions of the lyrics. The first, by Desmond Carter, was used in the 1935 Paul Robeson recording and a few others. Most English-language recordings have used the Sam Lewis lyrics made famous in Billie Holiday's 1941 recording. That recording added a third verse, not in the original Hungarian song, indicating that the singer was only dreaming about her lover's death. See links below for the lyrics.
Other artists who have recorded or reinterpreted the song include:

• 1935 (1935) – Pál Kalmár (in Hungarian, under title "Szomorú vasárnap" László Jávor lyrics)
• 1935 (1935) – (UK): Paul Robeson (released in the US in 1936; Desmond Carter lyrics)
• 1935 (1935) – Pyotr Leschenko (in Russian, under title "Мрачное воскресенье" ["Mrachnoe voskresen'e"])
• 1936 (1936) – Damia (in French, under the title "Sombre Dimanche", recorded on February 28, lyrics by Jean Marèze and François-Eugène Gonda, music by Rezso Seress)
• 1936 (1936) – Spree-Revellers (in German, as "Einsamer Sonntag"; Polydor 2293A)
• 1936 (1936) – Noriko Awaya (in Japanese, as "Kurai Nichiyobi")
• 1936    Agustin Magaldi (in Spanish, as "Triste Domingo")
• 1937 (1937) – Mercedes Simone (in Spanish, as "Triste Domingo" [recorded in Buenos Aires])
• 1959 (1959) – Eila Pellinen (in Finnish as "Surullinen sunnuntai")
• 1961 (1961) – Inger Qvick (in Swedish as "Sista Söndag")
• 1972 (1972) – Viktor Klimenko (in Russian as "Ona pred ikonoi")
• 1980 (1980) – Lydia Lunch
• 1986 (1986) – Christian Death feat. Gitane Demone (Atrocities) (Sam M. Lewis, Rezső Seress)
• 1992 (1992) – Diamanda Galás (The Singer) (Desmond Carter lyrics)
• 1992 (1992) – Sinéad O'Connor
• 1996 (1996) – Sarah McLachlan (English, using Sam Lewis lyrics. From the "Rarities, B-Sides, and Other Stuff" album)
• 2000 (2000) – Sarah Brightman (English, using Sam Lewis lyrics. From the "La Luna" album)
• 2005 (2005) – Venetian Snares under the Hungarian title "Öngyilkos vasárnap" (literally meaning 'Suicidal Sunday'), which incorporates a sample of Billie Holiday's 1941 rendition.
• 2006 (2006) – Angéla Póka (live) (performing Szomorú Vasárnap live during Megasztár)
• 2006 (2006) – Claire Diterzi (in French as Sombre dimanche from the "Boucle" album)
• 2010 (2010) – Andrew Veskoukis Overture to Death (in Greek adaptation)
• 2010 (2010) – MiD DERACINE (in Japanese as "SOMBRE DIMANCHE")
• 2010 (2010) – Emilie Autumn (Billie Holliday Lyrics - first 2 verses only.)

 Gloomy Sunday en diferentes versiones por muchos interpretes

Charlie Adams Lorez Alexandria Louis Armstrong The Associates Emilie Autumn Mickey Baker Ben Becker Iva Bittová Björk Sarah Brightman Charles Brown Don Byas Francisco Canaro Judita Čeřovská Ray Charles Elvis Costello Bing Crosby Christian Death Gitane Demone Lajos Dudas Billy Eckstine

Marianne Faithfull Serge Gainsbourg Diamanda Galás Genesis (US band) Nina Gerhard Johnny Griffin Peter Herbert Hildegarde Billie Holiday Hot Jazz Band Bev Kelly Hal Kemp & His Orchestra Stan Kenton Carol Kidd Karin Krog Kronos Quartet Peter Lehel Abbey Lincoln Lydia Lunch Herbie Mann Erika Marozsán

Branford Marsalis Edvin Marton Sarah McLachlan Carmen McRae MC Sniper Ricky Nelson Negator Peter Nero Heather Nova Sinéad O'Connor Quadro Nuevo Paul Robeson Luis Russell Satan's Cheerleaders Artie Shaw Mercedes Simone Mel Tormé Sarah Vaughan Venetian Snares Josh White Paul Whiteman & Johnny Hauser Jimmy Witherspoon

The song is featured at the start of the film Schindler's List. It is also played when Oskar Schindler dines with his wife at a restaurant. In the commentary appended to the full version one of the Jewish violinists who survived the war narrates that one of the SS officers—after asking for "Gloomy Sunday" to be played—indeed committed suicide.

Billie Holiday, The man I love

George and Ira  Gershwin
Ira Gershwin (December 6, 1896 – August 17, 1983) was an American lyricist who collaborated with his younger brother, composer George Gershwin, to create some of the most memorable songs of the 20th century.^[1]
With George he wrote more than a dozen Broadway shows, featuring songs such as "I Got Rhythm", "Embraceable You", "The Man I Love" and "Someone to Watch Over Me", and the opera Porgy and Bess.
The success the brothers had with their collaborative works has often overshadowed the creative role that Ira played. However, his mastery of songwriting continued after the early death of George. He wrote additional hit songs with composers Jerome Kern ("Long Ago (and Far Away)"), Kurt Weill and Harold Arlen.
The man I love
Someday he'll come along
The man I love
And he'll be big and strong
The man I love
And when he comes my way
I'll do my best to make him stay
He'll look at me and smile
I'll understand
Then in a little while
He'll take my hand
And though it seems absurd
I know we both won't say a word
Maybe I shall meet him Sunday
Maybe Monday, maybe not
Still I'm sure to meet him one day
Maybe Tuesday will be my good news day
He'll build a little home
That's meant for two
From which I'll never roam
Who would, would you
And so all else above
I'm dreaming of the man I love

Billie Holiday, Soledad

In my solitude
You haunt me
With dreadful ease
Of days gone by

In my solitude
You taunt me
With memories
That never die

I sit in my chair
And filled with despair
There’s no one could be so sad
With gloom everywhere
I sit and I stare
I know that I’ll soon go mad

In my solitude
I’m afraid
Dear lord above
Send back my love

Die Gedanken sind frei

[Los pensamientos son libres]
Source

"Die Gedanken sind frei" is a German song about the freedom of thought. The text and the melody can be found in Lieder der Brienzer Mädchen, printed in Bern, Switzerland between 1810 and 1820. The original lyricist and the composer are unknown, though the most popular version Aus Neukirch bei Schönau (Nowy Kościół) was rendered by Hoffmann von Fallersleben in his 1842 collection Schlesische Volkslieder mit Melodien.
TextThe idea represented in the title — that thoughts are free — was expressed as early as in Antiquity[1] and became prominent again in the Middle Ages, when
Walther von der Vogelweide (c.1170-1230) wrote:
joch sint iedoch gedanke frî ("yet still thoughts are free")[2].
In the 12th century Austrian minnesinger Dietmar von Aist (presumably) had composed the song Gedanke die sint ledic vrî ("only thoughts are free"). About 1229 Freidank wrote: diu bant mac nieman vinden, diu mîne gedanke binden. ("this band may no one twine, that will my thoughts confine")[3].

The text as it first occurred on leaflets about 1780 originally had four strophes to which a fifth was later added. Today, their order may vary. An early version in the shape of a dialogue between a captive and his beloved can be found under the title Lied des Verfolgten im Thurm. Nach Schweizerliedern ("Song of the persecuted in the tower. After Swiss songs") in Achim von Arnim and Clemens Brentano's circa 1805 folk poetry collection Des Knaben Wunderhorn, Vol. III. This version was given a new musical setting by Gustav Mahler in his 1898 Lieder aus "Des Knaben Wunderhorn" for voice and orchestra.
The lyrics
GermanDie Gedanken sind frei, wer kann sie erraten,
sie fliegen vorbei wie nächtliche Schatten.
Kein Mensch kann sie wissen, kein Jäger erschießen
mit Pulver und Blei, Die Gedanken sind frei!

Ich denke was ich will und was mich beglücket,
doch alles in der Still', und wie es sich schicket.
Mein Wunsch und Begehren kann niemand mir wehren,
es bleibet dabei: Die Gedanken sind frei!

Und sperrt man mich ein im finsteren Kerker,
das alles sind rein vergebliche Werke.
Denn meine Gedanken zerreißen die Schranken
und Mauern entzwei, die Gedanken sind frei!

Drum will ich auf immer den Sorgen absagen
und will mich auch nimmer mit Grillen mehr plagen.
Man kann ja im Herzen stets lachen und scherzen
und denken dabei: Die Gedanken sind frei!

Ich liebe den Wein, mein Mädchen vor allen,
sie tut mir allein am besten gefallen.
Ich sitz nicht alleine bei einem Glas Weine,
mein Mädchen dabei: Die Gedanken sind frei!

English translation:Thoughts are free, who can guess them?
They flee by like nocturnal shadows.
No man can know them, no hunter can shoot them,
with powder and lead: Thoughts are free!

I think what I want, and what delights me,
still always reticent, and as it is suitable.
My wish and desire, no one can deny me
and so it will always be: Thoughts are free!

And if I am thrown into the darkest dungeon,
all this would be futile work,
because my thoughts tear all gates
and walls apart. Thoughts are free!

So I will renounce my sorrows forever,
and never again will torture myself with some fancy ideas.
In one's heart, one can always laugh and joke
and think at the same time: Thoughts are free!

I love wine, and my girl even more,
Only I like her best of all.
I'm not alone with my glass of wine,
my girl is with me: Thoughts are free!
The rhyme scheme of the lyrics is a - b/ a - b/ c - c/ d - d.
AdaptationSince the days of the Carlsbad Decrees and the Age of Metternich Die Gedanken sind frei was a popular protest song against political repression and censorship, especially among the banned Burschenschaften student fraternities. In the aftermath of the 1848 German Revolution and in Nazi Germany, the song was proscribed. It had importance for the White Rose anti-Nazi resistance movement in Germany. [4] One night in 1942 Sophie Scholl played the song on her recorder outside the walls of Ulm prison where her father Robert had been detained for calling Adolf Hitler a "Scourge of God".
I first heard this song on Pete Seeger's 1966 album Dangerous Songs!? Here is his version. I next heard it in the TV movie The Birdmen in 1971. The Birdmen is a fictionalized account of a very real plan by Allied POWs to build a glider and escape from Colditz Castle during World War II. The soundtrack song and more on the movie and history of the real escape plan is here. And a traditional German rendering of the song is here.
The rally song of the 1942-43 German anti-Nazi youth movement, the White Rose (die Weiße Rose). The White Rose consisted of five students — Sophie Magdalena Scholl, her brother Hans Scholl, Alex Schmorell, Willi Graf, and Christoph Probst, all in their early twenties — and a professor of philosophy, Kurt Huber.

Dime lo que escuchas

y te diré lo que eres

Rap und HipHop: undiszipliniert, unaufrichtig, impulsiv, gesellig, erlebnishungrig
Jazz und Klassik: offen, seelisch stabil (Erwachsene); seelisch instabil (Jugendliche)
Oldies: unnachgiebig
Weltmusik: offen, durchsetzungsfähig, unempfindlich, wenig depressiv, wenig feindselig
Soul: offen, altruistisch, warmherzig
Heavy Metal: offen, unordentlich, wenig leistungsorientiert, reizhungrig
Pop und Charts, Country: extrovertiert, gewissenhaft, verträglich, wenig offen
Rock und Punk: offen
Kirchenlieder: wenig offen, pflichtbewusst, verträglich, wenig impulsiv
Funk: extravertiert, unordentlich, undiszipliniert und wenig leistungsorientiert
Filmmusik: verträglich, genügsam, wenig offen, wenig reizhungrig
Gospel: offen, pflichtbewusst, wenig impulsiv
Folk: offen, durchsetzungsfähig, wenig feindselig, vertrauensselig

Musikphilosophie: Zeit

Quelle:Über Wesen, Wirkung und Wahrnehmung von Zeit
 Copy(left): Rolf Basten
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Zeitgestaltung als Stilelement

Im Humanismus, wo der Mensch an sich zum Mittelpunkt aller Dinge geworden war, wandelte sich die Musik von einer lyrisch-deskriptiven zu einer dramatisch-expressiven Kunst. In der Monodie, aus der sich später das Rezitativ und die Arie entwickelten, sollte die Musik zwar wieder Dienerin des Wortes sein, aber daneben war eine ganz neue Art von Musik entstanden: die Absolute Musik. Das ist reine Instrumentalmusik, die nicht auf Text oder Tanz sondern nur auf sich selbst bezogen war. Ihre Aufgabe bestand in der Darstellung individueller Affekte. Musikalische Zeitgestaltung erfuhr hier einen enormen Bedeutungswandel und Bedeutungszuwachs. Vom Wortrhythmus befreit war sie nicht mehr nur Gestaltungsfaktor, sie war jetzt selbstständiges Ausdrucksmittel. In Monteverdis „Combattimento di Tancredi e Clorinda“ von 1638 verschmolz diese Veränderung mit dem neuen monodischen Gesangsstil und ermöglichte erstmals die Darstellung von Zorn.

Tempo als formendes Element

Hier tritt noch ein Weiteres zutage: die Geschwindigkeit, das Tempo dieses Ausschnittes. Aufregung und Wut lassen den Puls ansteigen.

Erst in einer Epoche, wo Zeitgestaltung zum eigenständigen Stilmittel geworden war, konnte Musik solch ein Phänomen darstellen. Die Notenwerte, welche ein Komponist wählte, implizierten von nun an auch die Geschwindigkeit. Zudem hielten Tempovorschriften Einzug in die Spielanweisungen. Das Tempo selbst war nun Stilelement. Am Beginn des 17. Jahrhunderts wechselten die Tempoangaben innerhalb eines Stückes mannigfaltig, ganz so, wie es der jeweilig ausgedrückte Affekt erforderte. Doch im Verlauf des Jahrhunderts separierten sich diese verschiedenen Tempoabschnitte voneinander und wurden zu selbstständigen Sätzen, zyklische Formen konnten somit entstehen, Suite, Sonate, Symphonie. War Tempo zunächst schon ein eigenständiger Ausdrucksträger geworden, so geriet er in einer Gesellschaft die 9 zunehmend durch chronometrische Reglementierung gekennzeichnet war, sogar zum Formträger. Die schnellen Sätze mit wirbelnden Sechzehntelnoten und treibenden so genannten Impulsbässen das sind schnelle repetierende Achtelnoten in den Bässen, sowie Motorik als neuem musikalischem Phänomen stellten die Repräsentation des Absolutistischen Herrschergestus dar, wie uns die Einleitungssinfonia zu Alessandro Scarlattis Oper „Griselda“(1710) deutlich macht.

Zeitgestaltung – Chronos

Nachdem sich die Instrumentalmusik weitgehend aus dem „Griff“ des Gesprochenen gelöst hatte, war musikalische Zeitgestaltung kein sich Ereignendes mehr. Nun war sie zum wesentlichen Element der persönlichen, künstlerischen Willensvorgabe durch den Komponisten geworden. Die Notenschrift stellte dadurch eine immer genauer werdende Vorgabe dar, sie entsprach bereits in großen Teilen dem heutigen Stand. Man dachte im 18. Jahrhundert nicht mehr in Versfüssen sondern in Motiven. Vor allem Taktstriche wurden bedeutsam und der moderne Akzentstufentakt entwickelte sich. Darin wird eine bestimmte Anzahl von gleichmäßigen Pulsschlägen – Metrum

– hierarchisch zu sinnvollen Einheiten zusammengefasst. Das Metrum entspricht quasi dem Chronos, der Bewegung eines Uhrzeigers.

Vergleichen wir die vorhin gehörte Estampie aus dem 12. Jahrhundert mit einem Andante aus Mozarts Posthornserenade, um dies besser nachfühlen zu können. Bei allem Charme und bei aller Ruhe des Mozart-Andantes kann man die Kontrolle, den Gestaltungswillen und die chronometrische Regelmäßigkeit nicht überhören. Kein Wunder, die Gesellschaft war komplex geworden, Zeitgenauigkeit war notwendig, Chronometer beherrschten den Tagesablauf.

Chronos und Kairos

Während der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts erfolgte ein großer Schub der Europäischen Kultur ins Subjektive und Individualistische, denken Sie an die „Kopernikanische Wende“, die an Kants Feststellung, das Objektive existiere erst durch die Wahrnehmung des Subjekts, festgemacht wird. Und auch Rousseaus Parteiname für das Individuum und dessen Empfindungen verdeutlichen dies. Der Schub beförderte Europa in ein neues Zeitalter. Die bürgerliche, freiheitliche Gesellschaftsordnung begann sich im 19. Jahrhundert durchzusetzen und die Epoche der Romantik konnte ab ca. 1830 beginnen.

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Die Veränderungen bescherten der Musik nicht nur Neuerungen sondern auch Probleme. Zeitgestaltung war auf der einen Seite Teil künstlerischer Willensvollstreckung durch den Komponisten. Auf der anderen Seite konnte nun der Ausführende sehr eigenwillig mit einem Werk umgehen, denn die Aufführungspraxis hatte sich vom Vortrag

zur Interpretation mit hermeneutischem Ansatz gewandelt. Melzer schuf hier eine Möglichkeit zur Abhilfe: Er erfand das Metronom, mit dessen Hilfe der Komponist das erwünschte tempo mathematisch genau vorschreiben konnte. Beethoven begann seit 1817 Metronomangaben seinen Werken voranzustellen. Vorläufer für das Metronom

hatte es bereits seit dem 17. Jahrhundert gegeben, jetzt aber erst bestand Bedarf an solch einem Hilfsmittel. dass Melzels Erfindung nicht bloß zum stupiden Üben noch stupiderer Etüden geschaffen wurde, sehen wir an den Metronomangaben der Beethovenschen Symphonien, wo sie strikte Vorgaben für den Dirigenten sein sollten.

Von Beethoven selbst berichteten seine Zeitgenossen, er habe sich durchaus nicht sklavisch an seine eigenen Angaben gehalten. Wie soll man das auch können, bedenkt man Phänomene wie beispielsweise Lampenfieber, das durch die Ausschüttung von Adrenalin reale Zeitempfindung beeinflusst. Wenn ich mir Mitschnitte meiner eigenen Konzerte anhöre, bin ich oft genug erstaunt, wie rapide die Tempi sind, obwohl sie mir im Augenblick der Aufführung durchaus maßvoll erschienen waren. Dann kann es aber auch passieren, dass mir die selben Tempi später wieder ruhig vorkommen.

Subjektive Zeitwahrnehmung in einer subjektiven Kultur, woran kann man sich da orientieren, um herauszufinden, was richtig ist? Bei der Uraufführung von Max Bruchs Violinkonzert hielten sich Dirigent und Solist nicht an die Tempovorgabe des Komponisten, er spielte um einiges rascher. Bruch kommentierte dies hinterher, dass er das schnellere Tempo als viel besser empfand.

Chronos – Kairo

Unabhängig davon, woran wir uns orientieren können oder sollen: das Lebendige des Musizierens resultiert gerade aus dem Widerspruch zwischen mathematischer Genauigkeit und individueller Abweichung, man kann sagen: zwischen Chronos und Kairos, der gleichmäßigen, exakten Zeiteinteilung und dem durch künstlerische Geschicklichkeit 11 kreierten Glücksmoment. Verdichtung von Gefühlen kann künstlerisch in die Verdichtung musikalischer Zeitgestaltung umgesetzt werden.

Dazu kann es dem Komponisten oder den Interpreten geeignet erscheinen, ein Metrum außer Acht zu lassen und im Sinne eines rhetorischen Gestus das Tempo zu beschleunigen oder zu reduzieren.

Tempo rubato lautet der Fachausdruck hierfür, es wurde signifikantes Stilelement der romantischen Epoche. Mit den Worten ritardando, accelerando, stringendo etc. im Notentext fordert der Komponist die Verlangsamung oder Beschleunigung vom Interpreten ein.

Zeit als Material

In der Moderne des 20.Jahrhunderts widerfährt der Handhabung musikalischer Zeitgestaltung ein bemerkenswerter, gleichwohl zu erwarten gewesener Wandel, namentlich in der Avantgarde: das Metrum hat seine Bedeutung verloren, Rhythmus erfüllt nicht mehr die Funktion motivischer Gestaltung oder der Vermittelung seelischer, räumlicher und zeitlicher Bewegung. Zeitgestaltung wird hier in den Dienst der Organisation des immer neu erfundenen Klangmaterials gestellt, das oftmals wie eine große, bewegungslose Fläche vor uns zu stehen scheint. Solch ein Phänomen spiegelt das Paradoxon unserer modernen Gesellschaft wieder, worin Zeit als Dienerin des Materials bzw. Materiellen behandelt wird.

Das Spannungsverhältnis zwischen Chronos und Kairos bleibt aber lebendigkeitsspendend, solange musiziert wird. Musik konstituiert sich durch Tonhöhe, Tonstärke und Tondauer. Wodurch manifestieren sich letzten Endes die Unterschiede zwischen verschiedenen Interpretationen eines Werkes? Die Tonhöhe darf nicht verändert werden, weil unser Gehör die Abweichung als „falsch“ empfinden würde. Jedoch die Tonstärke bietet eine gewisse Möglichkeit, sie signifikantesten verleiht die Chronos-Kairos-Spannung, die Akzentuierung und Platzierung der Tondauer einer Interpretation ihre persönliche Note.

Durch die Tonträger, welche Interpretationsgeschichte überliefern und hörbar machen, was es schon an Interpretationen gegeben hat, geraten ausführende Musiker unter erheblichen Druck, sie müssen sich unter immer schwereren Bedingungen voneinander abgrenzen. Dabei kommt auch die Überlegung ins Spiel, mit welchen Mitteln ein neuer Reiz des Gehörten vermittelt werden kann. Dies geht sehr häufig über kleine Akzentverschiebungen, metrische Eigenwilligkeiten und die Tempowahl.12

Zu Beginn dieses Vortrages sagte ich, Individuen seien wie Tropfen in einem mächtigen Strom. Dieser Strom fließt immer schneller, Veränderungen vollziehen sich rascher und rapider. Es ist vollkommen logisch, dass die epocheneigene Geschwindigkeit auch die Interpreten mitreißt, dies kann man in der beständigen Zunahme der Tempi sehen, welche die Interpreten wählen, man kann durchaus von einem Interpretationsaccelerando sprechen.

Göttlicher 'Gestaltungsauftrag

Wir gehören der Zeit, der Augenblick gehört uns

Am Beispiel der Musik wird klar, wie abhängig alles von der Zeit und ihrer Gestaltung ist. Die Zeit gehört nicht uns, wir gehören der Zeit.

Der Fluss gehört nicht dem Tropfen, der Tropfen gehört dem Fluss.

Das Wesen von Zeit lässt sich über die Musik nur spekulativ ergründen, gleichwohl erfahren wir durch die Musik einiges über die subjektive Wirkung von Zeit. Wir begreifen durch Musik die Notwendigkeit, Zeit sinnvoll zu gestalten. Sinnvolle Zeitgestaltung, das ist ein süperbes Motto, nicht nur für einen Musiker sondern für jeden Menschen und die Gesellschaft. Das Leben ist für jeden ein göttlicher Gestaltungsauftrag.

Aus der Vergangenheit Gelerntes soll in der Gegenwart umgesetzt werden, um einer positiven, günstigen Zukunft möglichst wenig Hindernisse in den Weg zu stellen. Musik ist wie keine andere Kunst an den Augenblick gebunden, man lernt als Diener der Musik in gewissem Maße die Fähigkeit zur Hingabe an den Augenblick – auch im alltäglichen Leben. Wir sind eine begrenzte Spanne auf dieser Welt und dürfen mit ein wenig Bewusstsein und Erkenntnisfähigkeit die Herrlichkeit göttlicher Schöpfung schauen und preisen. Welch ein Geschenk. Welch eine Verschwendung dagegen, hadernd in der Vergangenheit zu verharren oder nach verlockenden Früchten der ungewissen Zukunft zu gieren. Andreas Gryphius hat das im 17. Jahrhundert viel eindrucksvoller und schöner mit folgenden Worten gesagt:

Mein sind die Jahre nicht, die mir die Zeit genommen;
mein sind die Jahre nicht, die etwa möchten kommen.
Der Augenblick ist mein, und nehm ich den in Acht,
so ist der mein, der Jahr und Ewigkeit gemacht!

Think!

Scene from 'Blues Brothers' with Aretha Franklin

Think (think) think (think) think (think)
think (think) think (think) think (think)
You better think (think) think about what you're trying to do to me
Yeah, think (think, think), let your mind go, let yourself be free
Let's go back, let's go back, let's go way on back when
I didn't even know you, you came to me and too much you wouldn't take
I ain't no psychiatrist, I ain't no doctor with degree
It don't take too much high IQ's to see what you're doing to me
You better think (think) think about what you're trying to do to me
Yeah, think (think, think), let your mind go, let yourself be free
Oh freedom (freedom), freedom (freedom), freedom, yeah freedom
Freedom (freedom), freedom (freedom), freedom, ooh freedom
There ain't nothing you could ask I could answer you but I won't (I won't)
I was gonna change, but I'm not, to keep doing things I don't
You better think (think) think about what you're trying to do to me
Yeah, think (think, think), let your mind go, let yourself be free
People walking around everyday, playing games that they can score
And I ain't gonna be the loser my way, ah, be careful you don't lose yours
You better think (think) think about what you're trying to do to me
Yeah, think (think, think), let your mind go, let yourself be free
You need me (need me) and I need you (don't you know)
Without eachother there ain't nothing people can do
Oh freedom (freedom), freedom (freedom), freedom, yeah freedom
Freedom (freedom), freedom (freedom), freedom, ooh freedom
There ain't nothing you could ask I could answer you but I won't (I won't)
I was gonna change, but I'm not, if you're doing things I don't
You better think (think) think about what you're trying to do to me
Yeah, think (think, think), let your mind go, let yourself be free
You need me (need me) and I need you (don't you know)
Without eachother there ain't nothing people can do
(To the bone for deepness, to the bone for deepness, to the bone for deepness, think about it)
(To the bone for deepness, to the bone for deepness, to the bone for deepness, think about it)
(To the bone for deepness, to the bone for deepness, to the bone for deepness, think about it)
(To the bone for deepness, to the bone for deepness, to the bone for deepness, think about it)
You had better stop and think before you think, think!!

The history of the violin

Source

'Old John Betts'

Source
Old famous violin makers (Gallery)

"The details are not the details. They make the product"
---Charles Eames

"BETTS, John Edward - Known as 'Old John Betts'.

Born at Stamford (Lincolnshire), 1755.
Came to London and studied the art under Richard Duke.
Soon developed a keen business capability, opened inviting premises, and at different periods, employed notable men such as Panormo, Fendt, Carter and Tobin.
Died in 1823. Buried at Cripplegate Church.
Made few instruments himselfearly productions characterised by Amatese outline and arching. Sound-holes rather inartistically wide. Scrolls always neatly finished. Excellent wood in quality and prettiness. Subsequent instruments bearing his label were most probably made by the above-mentioned workmen.
Advertised that he 'makes in the neatest manner, violins the patterns of Ant. Stradivarius, Hieronymus Amatus, Jacobus Stainer and Tyrols. Equal for the fine, full, mellow tone to those made in Cremona'.
But the larger proportion of instruments emanating from his workshop were Amatese, and he instructed assistants to continue working in the 'metier' which brought him the best reputation and quicker increased his banking account. Doubtless quite justified in not striking out for the patch of originality, apparently being conscious of his own fluctuating skill, as well as not underrating the caprices of the public. These instruments, whoever actually made them, give the index of the varying planes of the Amati structure. Arching beautifully done, ease and grace very discernable about the waist curves. Workmanship wholly refined. Scroll of fine volute and a perfect approach to the boss, often of broad aspect. Sound-holes also of ideal curvature. Frequently backs of an especially beautiful close-striped figure. Varnish applied as though worn and aged. Tone never brilliant or strong, but often exceedingly suave, warm and of silvery clarity. Violas sometimes inlaid with various decorations.
Cellos perhaps superior to the violins, and steadily gaining in the estimation of experts.
Usually branded 'Betts London' on button.
This has been fictitiously used in a wholesale manner, and may be seen on common factory fiddles. Many specimens with a Betts label are often of the five to ten-pounds inferior order, and indubitably not genuine, not even as having been made by the most elementary of the many apprentices in his workshop.

Viagra, *1997

[Sildenafil citrate]
Written and sang by Max Raabe. It's from the album
"Ein Freund, ein guter Freund" [Un amigo, un buen amigo]

The virgin gives it to the boy because both then can enjoy
for wives it came in handy who had a droopy spouse.
Thus some life form long believed to be dead is revived by
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Doctors commit themselves to self-testing,
speculate that it facilitates blood circulation
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A stand-up reception will turn jolly once it is served as munchies,
every stable shudders when you put it in the animal fodder.
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Camilla Parker-Bowles always carries in her Rolls' a full roll
(Prince's Roll is a famous roll of cookies)
the back drawer of his desk,
that's where Bill Clinton keeps his stash.
But what effect on the receding brow if mixed with the pill,
it defies every norm rigid as Wellaform (hair spray)
only pointing into one direction
because it's doped and can't help it.
Why do I do this to myself, asks then the man.
I can tell you, between the two of us,
that in this world it depends on women
whether things rise or fall.

Her Morning Elegance / Oren Lavie